Apa saja yang termasuk dalam bentuk karya. Unsur wujud suatu karya sastra

Mereka mulai berbicara dan berdebat tentang bentuk dan isi suatu karya dalam kritik sastra. Namun saat ini doktrin tentang bentuk dan isi suatu ciptaan menjadi salah satu kunci dalam sistem tersebut. Dalam yurisprudensi, teori ini memungkinkan untuk membedakan antara unsur-unsur yang dilindungi dan tidak dilindungi dari suatu ciptaan.

Pokok-pokok ajaran tentang bentuk dan isi suatu ciptaan sebagai objek hak cipta adalah sebagai berikut:

Hak cipta melindungi bentuk suatu ciptaan, tetapi tidak melindungi isinya.

Bagaimana bentuk dan isi karyanya?

• dalam suatu artikel ilmiah, isinya akan memuat teori, konsep, hipotesis, fakta yang menjadi dasar argumentasi;
• dalam sebuah proyek arsitektur, isinya dapat mencakup tugas yang ditetapkan pada awalnya (luas, jumlah lantai, tujuan bangunan), gaya yang dipilih oleh arsitek (Barok, klasisisme, dll.), makna semantik dan simbolis dari objek ( misalnya monumen);
• dalam fotografi, konten adalah subjek foto, mood yang ingin disampaikan fotografer, dan ide yang ingin disampaikan kepada publik.

Gagasan yang sama, konsep, metode dan metode yang sama dapat menjadi dasar dari keseluruhan rangkaian karya bahkan karya dari seluruh zaman. Contoh paling jelas adalah kisah-kisah alkitabiah dalam karya-karya Renaisans. Isinya tidak memiliki batasan yang jelas; ia terletak di “kedalaman” karya. Isi karya tergantung pada persepsi subjektif pembaca atau penontonnya. Isinya menjawab pertanyaan: “ Apa maksud penulisnya?

Bentuk luar karya- Ini adalah bahasa yang digunakan untuk menulis karya tersebut. Dalam sebuah karya sastra, wujud luarnya adalah teks itu sendiri, dalam sebuah karya visual adalah gambar itu sendiri. Bentuk luarnya dapat disalin tanpa upaya intelektual apa pun, termasuk. tanpa campur tangan manusia, dengan cara teknis.

Bentuk batin- ini adalah sistem gambar, sarana artistik yang dengannya sebuah karya ditulis. Dalam arti tertentu, bentuk internal adalah penghubung antara bentuk eksternal dan isinya, namun bentuk internal dilindungi oleh hak cipta. Tidak mungkin menyalin bentuk internal tanpa menggunakan bentuk eksternal, tanpa penerapan kerja intelektual.

Bentuk luar dari karya-karya tersebut benar-benar berbeda; kita tidak akan menemukan satu kata pun yang diulang-ulang, karena... bagian-bagian yang ditulis dalam bahasa berbeda. Namun bentuk internal dan isi karyanya sama. Penerjemah berusaha untuk melestarikan bentuk internal karya dan menyampaikan isi karya melaluinya. Isinya adalah gagasan yang ingin disampaikan John Donne kepada pembaca dengan kata-kata tersebut.

Apa bentuk ekspresi sebuah karya?

• tertulis
• lisan
• seni rupa
• volumetrik-spasial
• audiovisual (rekaman suara dan video)

Arti penting dari bentuk ekspresi suatu ciptaan adalah bahwa hak cipta timbul sejak karya tersebut pertama kali diungkapkan dalam bentuk obyektif apa pun. Anda dapat membaca lebih lanjut tentang ini di “Bentuk dan isi sebuah karya dalam kritik sastra.”
2. Doktor Hukum, Profesor E.P. Gavrilov “Hak Cipta dan konten sebuah karya.”

Struktur puitis karya ini disusun oleh berbagai elemen artistik. Pemahaman gagasan pokok teks tidak hanya didukung oleh alur atau konflik. Untuk mengungkap watak tokoh dan menentukan prospek pengembangan alur, penulis memasukkan unsur ekstra alur ke dalam teks.

Mimpi para pahlawan, kata pengantar karya, prasasti, penyimpangan liris, episode sisipan, legenda (misalnya, "The Legend of the Grand Inquisitor" dalam novel F. M. Dostoevsky "The Brothers Karamazov"), cerita, cerita (kisah pengasuh Tatyana Larina , “Kisah Kapten Kopeikin" dalam "Jiwa Mati").

Huruf-huruf tokohnya juga mempunyai tingkat kemandirian yang cukup dan mempunyai kemandiriannya sendiri pewarnaan gaya, komposisi khusus, berfungsi sebagai karakteristik tambahan dari gambar-karakter, berkontribusi pada pengembangan plot (misalnya, surat Savelich dalam "The Captain's Daughter", surat-surat Alexander Aduev dalam "Ordinary History").

Mimpi, sebagai elemen ekstra plot, merupakan komponen penting dalam komposisi dan merupakan salah satu cara untuk mengomentari dan mengevaluasi peristiwa yang digambarkan. Tidur sering digunakan sebagai karakteristik psikologis karakter dan dalam hal pemahaman konten ideologis karya. Yu.M. Lotman mencatat bahwa “mimpi adalah suatu tanda dalam bentuknya yang paling murni, karena seseorang mengetahui bahwa mimpi itu ada, suatu penglihatan, mengetahui bahwa mimpi itu mempunyai makna, tetapi tidak mengetahui apa itu. Makna ini perlu diuraikan."

Sangat fungsi penting menampilkan mimpi sebagai elemen komposisi. Ini adalah kutipan teks yang secara semantik terisolasi dari struktur umum karya dan memiliki yang berikut ini fitur khas: keringkasan maksimum, sketsa, banyaknya simbolisme (sebagai akibatnya - konsentrasi benang dan motif semantik utama pada sebagian kecil teks), ketidakkonsistenan gaya dengan keseluruhan karya (kebijaksanaan narasi dijelaskan oleh aliran kesadaran, maka “inkoherensi” asosiasi).

Pada tahap awal penetrasi elemen ekstra plot ini ke dalam karya sastra, mimpi dianggap sebagai pesan dari jiwa. Kemudian, melalui identifikasi mimpi dengan “suara kenabian asing”, sifat dialogisnya terungkap: mimpi berpindah ke ranah komunikasi dengan yang ilahi.

DI DALAM sastra modern mimpi menjadi ruang terbuka bagi penafsiran seluas-luasnya, yang bergantung pada “jenis budaya penafsiran”, serta persepsi pembacanya, karena “mimpi adalah cermin semiotik, dan setiap orang melihat di dalamnya cerminan dari mimpinya. bahasa sendiri,” kata Yu.M. Lotman.

Dalam budaya abad ke-20, tidur menjadi salah satu gambaran utama permainan pikiran bersama dengan labirin, topeng, cermin, taman, perpustakaan, buku. Menurut X. L. Borges, mimpi adalah kehadiran yang universal dalam diri individu, suatu tanda yang mengubah strategi membaca dan “waktu psikologis” teks dan pembaca. Kaum postmodernis menafsirkan tidur sebagai pengalaman yang tidak nyata, sebuah kutipan yang mengingatkan pada arketipe budaya.

Sifat ikonik dari mimpi memanifestasikan dirinya dalam estetika artistik yang berbeda dengan cara yang berbeda. Dalam puisi Barok, yang secara aktif mempermainkan identitas ilusi dan kenyataan, kehidupan diibaratkan mimpi, yang pada puncak eksperimen sastranya ditunjukkan dengan metafora Calderon “hidup adalah mimpi”. Dalam estetika romantis, menyamakan kenyataan dengan mimpi merupakan salah satu cara untuk mengatasi batasan antara kenyataan dan mimpi.

Oleh karena itu, teks romantis jarang menyebutkan awal mula mimpi; Peralihan dari kenyataan ke ilusi tetap menjadi misteri bagi pembaca. Keutuhan dan kesatuan teknik tersebut diungkapkan dalam catatan S. Coleridge: “Jika seseorang berada di surga dalam mimpi dan menerima sekuntum bunga sebagai bukti kehadirannya di sana, dan ketika bangun tidur, ia meremas bunga ini di tangannya. - lalu bagaimana?"

Yang tak kalah umum dalam karya sastra adalah indikasi momen kebangkitan tokoh. Non-keacakan keputusan ini, misalnya, dalam “The Nutcracker” oleh E. T. A. Hoffmann, dijelaskan oleh keinginan untuk memperkenalkan ke dalam karya perangkat ironi romantis, yang memungkinkan seseorang mempertanyakan sudut pandang apa pun tentang dunia yang tampak jelas dalam konstruksi estetika lainnya.

Mimpi, dengan konteks simbolisnya, mistisisme, dan isinya yang tidak nyata, memungkinkan kaum romantis untuk mengidentifikasi kosmos imajiner dan takdir dengan dunia jiwa yang misterius. Oleh karena itu, dalam karya Lermontov, mimpi menjadi salah satu cara untuk mengekstraksi “teks halus yang dipenuhi fatamorgana”.

Puisi “Iblis” terdiri dari dua mimpi; struktur karyanya mewakili “mimpi di dalam mimpi”. Teknik ini menjadi yang terdepan dalam karya penyair, dan setiap daya tarik terhadap teknik ini memperluas muatan semantiknya. Dalam puisi “Iblis”, dalam puisi “Mimpi”, “Di Alam Liar Utara…”, bahkan dalam novel “Pahlawan Waktu Kita”, mimpi muncul sebagai ekspresi pergerakan waktu yang melelahkan. ide, mengubah nilai, menjauhkan seseorang dari kehidupan sehari-hari dan membenamkannya dalam keabadian.

Metafora tidur menjadi kunci untuk memahami posisi penulis. Teknik serupa adalah dasar dari banyak cerita N.V. Gogol di Sankt Peterburg, khususnya “The Nose”. Kejelasan palindromik dari judul cerita, yang dicatat oleh banyak peneliti, memungkinkan kita untuk mencatat dan memperluas fantasi kehidupan sehari-hari. Dalam sistem hubungan ini, mimpi bisa berima dengan bagian tubuh manusia, mimpi bisa berubah menjadi seringai kegilaan.

Dunia ibu kota yang terbalik penuh dengan paradoks yang mengarah pada kegilaan, itulah sebabnya dalam cerita terakhir “Catatan Orang Gila” pembaca tidak dapat lagi melihat batas di mana hukum kehidupan sehari-hari tidak lagi berlaku dan hukum kehidupan sehari-hari tidak lagi berlaku. sisi kesadaran yang salah mulai menang, menjerumuskan pikiran dan jiwa Poprishchin ke dalam delirium keputusasaan.

Dalam karya sastra Rusia abad ke-19, terungkap keterlibatan berbagai fungsi tidur sebagai elemen komposisi. Dalam novel Goncharov, puisi mimpi muncul secara metaforis, “menguraikan” dunia batin karakter, atau menentukan peristiwa selanjutnya.

Tatyana Markovna Berezhkova memimpikan sebuah ladang yang tertutup salju putih bersih, dan di atasnya ada sepotong kayu yang sepi. Mitologi musim dingin tampaknya merupakan simbol kemurnian, dan sepotong adalah dosa yang menyiksa pahlawan wanita sepanjang hidupnya. Mimpi Marfenka (patung-patung di rumah tua di Malinovka, yang tiba-tiba mulai bergerak) membuat pembaca memahami bahwa bagi pahlawan wanita ini, penderitaan Vera akan tetap tidak dapat dipahami. Patung dewi kuno Minerva dan Venus adalah representasi metaforis Marfenka tentang kesempurnaan, “kekudusan” saudara perempuan dan neneknya.

Novel " Sebuah cerita biasa“dimulai dengan pernyataan yang mengungkapkan dari penulis: Alexander Fedorovich Aduev “tidur sebagaimana seharusnya seorang anak laki-laki berusia dua puluh tahun tidur.” Motif “belum bangun”, seperti yang ditunjukkan oleh perkembangan aksi selanjutnya, menjadi yang utama dalam penilaian psikologis sang pahlawan, yang tidak ingin meninggalkan jeratan harapan melamun yang menyenangkan.

Dia tenggelam dalam dunia ilusi, karena itu dia sendiri sangat menderita dan menyiksa orang lain. Ketika dia terbangun dari mimpi romantis, dia memilih gaya perilaku itu bertahun-tahun yang panjang diakui oleh mentornya Peter Aduev.

Penulis masih tidak berusaha untuk menempatkan aksen kategoris. Dalam epilog, I. A. Goncharov membuat pembaca meragukan kebenaran jalan yang dipilih Alexander. Bagaimanapun, Pyotr Aduev sendiri menyadari, seperti “Evgeny” Pushkin yang malang, bahwa “hidup itu seperti mimpi kosong, olok-olok surga di atas bumi.”

Sikap rasional terhadap dunia ternyata tidak kalah destruktifnya dengan mimpi romantis sang keponakan. Ketika tampaknya rasionalitas telah menang atas lamunan, sang pahlawan menghadapi krisis pemahaman diri. Alhasil, kebenaran “fatamorgana” keinginan akan mimpi yang goyah membuat orang meragukan logika kesejahteraan pragmatis yang tak terbantahkan.

"Impian Oblomov" menempati tempat khusus dalam karya Goncharov. Diterbitkan pada tahun 1847 dan kemudian dimasukkan dalam novel Oblomov, mimpi adalah pusat komposisi karya tersebut.

Mimpi ini sama sekali tidak memiliki unsur “fatamorgana”. D. S. Likhachev menulis bahwa “Goncharov tidak mencoba memberikan mimpi Oblomov karakter mimpi. Dia menggambarkan dunia tempat mimpi Oblomov membawa kita, tapi bukan mimpi itu sendiri.” Fenomena ini menimbulkan penyimpangan semantik dan memungkinkan para kritikus abad ke-19 menganggap karya tersebut sebagai penyingkapan perbudakan dan “lingkaran setan kehidupan”.

Setelah mengatasi perintah pembacaan sosio-kritis, tidak sulit untuk diyakinkan bahwa dalam tingkat struktural individu teks, korespondensinya dengan bentuk mimpi tetap terwujud. Semaksimal mungkin - dalam komposisi plot. Dalam "Mimpi Oblomov" plotnya tidak tunduk pada aturan ketat waktu epik.

Peralihan dari satu episode ke episode lainnya seringkali tidak dimotivasi dengan cara apa pun, dan bentuk mimpi itulah yang “melegitimasi” kesewenang-wenangan dalam menggantikan satu gambar dengan gambar lainnya. Itulah sebabnya penjelasan seperti “kemudian Oblomov bermimpi di lain waktu” atau “kemudian Ilya Ilyich tiba-tiba melihat dirinya sebagai anak laki-laki berusia tiga belas atau empat belas tahun” merupakan konfirmasi atas fragmentasi teks ini.

Salah satu fungsi mimpi sastra yang biasa adalah kesempatan bagi pahlawan untuk melihat dirinya dari luar: perwujudan terjadi dalam mimpi dunia batin, pengalaman spiritual sang pahlawan, dan sang pahlawan sendiri secara bersamaan ternyata menjadi subjek dan objek mimpinya. Yu.V.Mann dalam bukunya “Gogol’s Poetics” mencatat bahwa untuk tujuan ini diperkenalkan ke dalam narasi bidang subjektif dari karakter yang sedang bermimpi.

Teknik ini digunakan penulis untuk “menghilangkan” posisi narator. Dalam Mimpi Oblomov, kondisi ini tidak terpenuhi. Narasinya disusun sedemikian rupa sehingga bukan Ilya Ilyich yang berperan sebagai penafsir mimpi, melainkan narator.

Terlepas dari kenyataan bahwa, seperti dalam keseluruhan novel, dalam "Mimpi Oblomov" narator berada di luar dunia yang digambarkan dan tidak berpartisipasi dalam peristiwa plot, namun nada narasinya tidak netral, di baliknya orang dapat menebak penilaiannya. dan sikap terhadap apa yang dilihat pahlawan.

Pemikiran kritis dan analitis narator sangat berbeda dengan pemikiran mistis kaum Oblomov. Begitu narator berada pada posisi pengamat luar, penilaian diberikan sesuai dengan hukum konteks ideologis, budaya, estetika di mana dunia Oblomov dipahami. Posisi penulis dalam kaitannya dengan karakter dalam "The Dream" sering kali terbuka. Ketika anak-anak Oblomov menemukan seorang pria asing di selokan di luar pinggiran kota dan melaporkan di desa bahwa mereka telah melihat sejenis “ular atau manusia serigala aneh”, tidak ada yang meragukan fakta ini. Namun narator membantah anggapan tersebut dengan penjelasan yang sangat masuk akal: “... seorang laki-laki ditemukan tergeletak di belakang pinggiran kota, di selokan, dekat jembatan, tampaknya tertinggal di belakang artel yang lewat ke kota.”

Oleh karena itu, sifat evaluatif dari intonasi naratif dimungkinkan karena penulis dengan sengaja menjauhkan diri dari pandangan mistis tentang apa yang terjadi, dengan berseru: "... kepercayaan pada keajaiban begitu kuat di Oblomovka!"

Sudut pandang Oblomov tentang hidup sendiri Hal ini terus-menerus terungkap bahwa hal itu tidak sesuai dengan keadaan sebenarnya. Akibatnya, kebenaran mitos dunia Oblomov hancur.

Pengarang tidak merekonstruksi dunia masa lalu sang protagonis, namun menciptakan gambaran mitologis tentang “tanah yang diberkati”, yang sebagian merupakan cita-cita pengarang. Namun orang-orang, keluh penulis, tidak menyadari takdir ilahi mereka, karena terbiasa dengan keindahan pedesaan, mereka menghancurkan hidup mereka dalam “tidur tanpa akhir”.

Bukan suatu kebetulan dalam konteks ini bahwa mimpi itu kaya akan kenangan kuno. Penulis sangat merasakan zamannya sebagai masa disrupsi yang mendalam. Di bawah Oblomovka, bagi Goncharov, tidak hanya desa benteng yang masuk ke dalam sejarah, tetapi dalam arti tertentu, cara hidup dan kesadaran yang berkembang selama ribuan tahun sejarah manusia.

Pengantar kritik sastra (N.L. Vershinina, E.V. Volkova, A.A. Ilyushin, dll.) / Ed. L.M. Krupchanov. - M, 2005

Komposisi (dari bahasa Latin compositio - komposisi, koneksi) - konstruksi sebuah karya seni. Komposisinya dapat disusun berdasarkan plot atau non-plot. Sebuah karya liris juga dapat berbasis plot, yang ditandai dengan plot peristiwa epik) dan non-plot (puisi Lermontov “Gratitude”).

Komposisi karya sastra termasuk:

Susunan gambar karakter dan pengelompokan gambar lainnya;

Komposisi plot;

Komposisi elemen ekstra-plot;

Komposisi detail (detail situasi, perilaku);

Komposisi pidato (perangkat stilistika).

Komposisi suatu karya tergantung pada isi, jenis, genre, dll.

GENRE (French genre - genus, type) adalah salah satu jenis karya sastra, yaitu:

1) suatu jenis karya yang benar-benar ada dalam sejarah sastra nasional atau sejumlah karya sastra dan disebut dengan satu atau lain istilah tradisional (epik, novel, cerita, cerita pendek dalam epik; komedi, tragedi, dan lain-lain dalam bentuk bidang drama; ode, elegi, balada, dll. - dalam lirik);

2) tipe “ideal” atau model karya sastra tertentu yang dibangun secara logis, yang dapat dianggap invarian (makna istilah ini terdapat dalam definisi apa pun dari karya sastra tertentu). Oleh karena itu, ciri-ciri struktur perumahan pada suatu momen sejarah tertentu, yaitu. dalam aspek sinkroni harus dipadukan dengan penerangannya dalam perspektif diakronis. Inilah tepatnya, misalnya, pendekatan M. M. Bakhtin terhadap masalah struktur genre novel Dostoevsky. Titik balik terpenting dalam sejarah sastra adalah perubahan antara genre kanonik, yang strukturnya kembali ke gambaran “abadi” tertentu, dan genre non-kanonik, yaitu. tidak sedang dibangun.

GAYA (dari bahasa Latin stilus, stylus - tongkat runcing untuk menulis) - suatu sistem yang disatukan oleh tujuan fungsional tertentu unsur linguistik, metode pemilihannya, penggunaan, kombinasi dan korelasi timbal balik, variasi fungsional lit. bahasa.

Struktur komposisi tuturan bahasa (yaitu totalitas unsur-unsur kebahasaan dalam interaksi dan korelasi timbal baliknya) ditentukan oleh tujuan sosial komunikasi lisan(komunikasi wicara) di salah satu bidang utama aktivitas manusia

S. - konsep dasar dan mendasar dari stilistika fungsional dan bahasa sastra

Sistem bergaya fungsional modern. Rusia. menyala. bahasa bersifat multidimensi. Kesatuan gaya fungsional penyusunnya (gaya, pidato buku, pidato publik, Berbicara, bahasa fiksi) tidak sama pentingnya dalam komunikasi wicara dan dalam liputan materi linguistik. Seiring dengan C., bidang gaya fungsional juga dibedakan. Konsep ini dikorelasikan dengan konsep “C.” dan mirip dengannya. Bersama

Tuturan artistik adalah tuturan yang mewujudkan fungsi estetis bahasa. Pidato sastra dibagi menjadi prosa dan puitis. Pidato artistik: - dibentuk dalam seni rakyat lisan; - memungkinkan Anda untuk mentransfer karakteristik dari objek ke objek melalui kesamaan (metafora) dan kedekatan (metonimi); - membentuk dan mengembangkan polisemi suatu kata; - memberikan pidato organisasi fonologis yang kompleks

Dalam sebuah karya, apa yang dirasakan dan menarik pandangan batin pembaca biasa disebut bentuk. Secara tradisional, ada tiga aspek yang dibedakan: objek yang dimaksud; kata-kata yang menunjukkan benda-benda tersebut; komposisi, yaitu susunan benda dan kata relatif satu sama lain.

Dalam pasangan yang sedang dipertimbangkan, prinsip utama adalah milik konten. Dipahami sebagai dasar subjek, sisi penentunya, sedangkan bentuk mengacu pada organisasi dan tampilan karya, sisi penentunya.

Kategori isi diperkenalkan ke dalam filsafat dan estetika oleh G. W. F. Hegel. Ia ingin agar ia bertindak sebagai “ideal” dari konsep dialektis mengenai perkembangan persatuan dan perjuangan lawan-lawan. dalam "Estetika" pemikir hebat membuktikan bahwa dalam sebuah karya seni, hal-hal yang berlawanan diselaraskan, dan di bawah isi seni ia melihat cita-cita, dan di bawah bentuk - perwujudan sensual dan kiasannya.

Pada saat yang sama, Georg Wilhelm Friedrich Hegel melihat dalam penentuan awal suatu karya suatu kombinasi harmonis antara isi dan bentuk menjadi satu kesatuan yang bebas.

Pernyataan serupa juga ditemukan dalam pandangan V. G. Belinsky. Menurut kritikus terkemuka pada masa itu, dalam karya penyair gagasan bukanlah suatu pemikiran abstrak, melainkan suatu “ciptaan hidup” yang di dalamnya tidak ada batasan antara gagasan dan bentuk, tetapi keduanya merupakan “ciptaan organik yang utuh dan tunggal”.

Vissarion Grigorievich Belinsky memperdalam pandangan pendahulunya yang idealis dan meningkatkan pemahaman sebelumnya tentang kesatuan isi dan bentuk dalam pencarian teoretis dan estetika abad ke-19. Ia menarik perhatian peneliti pada kasus ketidakharmonisan bentuk dan isi. Puisi dapat menjadi contoh pengamatan adil seorang kritikus

V. Venediktov, A. Maykov, K. Balmont, yang berbeda bentuk dan isinya lebih rendah.

Dalam sejarah pemikiran estetika, kesimpulan tentang keutamaan bentuk daripada isi masih dipertahankan. Dengan demikian, pandangan F. Schiller tentang sifat-sifat bentuk dilengkapi oleh V. B. Shklovsky, seorang perwakilan terkemuka dari aliran formalis Rusia. Ilmuwan ini memandang isi sebuah karya sastra sebagai kategori non-artistik, sehingga menilai bentuk sebagai satu-satunya pembawa kekhususan artistik.

Perhatian yang cermat terhadap bentuk sebuah karya sastra memunculkan konsep penelitian V.V. Vinogradov, V.M. Zhirmunsky, Yu.N. Tynyanov, B.M.

Mengkhususkan bidang penelitian kemanusiaan para ilmuwan ini, khususnya, kami mencatat bahwa tokoh terkemuka dalam arah psikologis dalam kritik sastra, Vygotsky, menggunakan contoh analisis cerita pendek I. A. Bunin

"Easy Breathing" menunjukkan keunggulan yang jelas dari komposisi dan seleksi

kosakata artistik atas isi keseluruhan karya.

Namun, dalam cerpennya, refleksi tentang harmoni dan keindahan mewujudkan ciri-ciri genre elegi pemakaman dengan ciri khas pertanyaan filosofis tentang hidup dan mati, suasana kesedihan atas orang hilang, dan struktur kesenian yang elegi.

Sudut pandang ini lebih terwakili dalam karya peneliti modern T. T. Davydova dan V. A. Pronin tentang teori sebuah karya sastra. Dengan demikian, bentuk tidak merusak isinya, tetapi mengungkapkan isinya.

Pemahaman yang lebih mendalam tentang masalah kesatuan isi dan bentuk juga akan membantu dengan mengacu pada konsep “bentuk internal” yang dikembangkan dalam kritik sastra Rusia oleh A. A. Potebnya dan G. O. Vinokur.

Dalam pemahaman para ilmuwan, bentuk internal sebuah karya terdiri dari peristiwa, karakter, dan gambar yang menunjukkan isinya dan, akibatnya, ide artistiknya14.

Dengan demikian, komponen isi suatu karya seni adalah tema, tokoh, keadaan, masalah, gagasan; formal - gaya, genre, komposisi, pidato artistik, ritme; konten-formal - plot, plot dan konflik.

Sebagai bahan didaktik bagi siswa yang didalamnya sebuah karya sastra ditinjau dari kesatuan isi dan bentuk, terdapat penggalan karya sastra M. Girshman “The Beauty of a Thinking Man (“The crowd menyambut hari yang mencemaskan, namun sangat buruk…” oleh E. A. Baratynsky) ", ditempatkan di Lampiran manual ini.

§ 3. Analisis suatu karya sastra sebagai suatu kesatuan seni

Sebelum membahas masalah analisis sebuah karya sastra sebagai suatu keseluruhan artistik, mari kita beralih ke pernyataan penting dalam teori sastra oleh G. N. Pospelov dalam karyanya “Pemahaman holistik-sistemik karya sastra”: “Analisis isi<...>harus terdiri dari, melalui pemeriksaan yang cermat terhadap segala sesuatu yang digambarkan secara langsung, untuk memperdalam pemahaman tentang pemikiran emosional dan umum dari penulis yang diungkapkan di dalamnya, ide-idenya”15. Di sini ilmuwan memberikan rekomendasi khusus kepada peneliti, menekankan sikap hati-hati dan sensitifnya terhadap semua materi ciptaan seni.

V. E. Khaliseva, mereka melayani pembedaan mental antara eksternal dan internal, esensi dan makna dari perwujudannya, dari cara keberadaannya, dan menanggapi dorongan analitis kesadaran manusia.

Oleh karena itu, tindakan mempelajari, menguraikan, menganalisis, dan mendeskripsikan karya seni merupakan langkah penting dalam karya seorang filolog, editor, dan kritikus.

Setiap aliran ilmiah mempunyai sikap dan cara pandang tersendiri dalam memahami karya dan teks sastra. Namun dalam teori sastra terdapat beberapa pendekatan universal (prinsip dan metode analisis) terhadap karya sastra, di antaranya telah ditetapkan konsep-konsep berikut yang menjelaskan metodologi dan teknik mempelajari karya: deskripsi ilmiah dan analisis, interpretasi, pertimbangan kontekstual.

Tugas awal peneliti adalah mendeskripsikan. Pada tahap kerja ini data observasi dicatat dan dinyatakan: satuan ujaran, objek dan tindakannya, hubungan komposisi.

Deskripsi suatu teks sastra terkait erat dengan analisisnya (dari analisis gr. - dekomposisi, pemotongan), yaitu. korelasi, sistematisasi, klasifikasi unsur-unsur suatu karya.

Ketika mendeskripsikan dan menganalisis suatu bentuk sastra dan seni, konsep motif menjadi penting. Dalam kritik sastra, motif dipahami sebagai komponen karya yang semakin bermakna – kekayaan semantik. Ciri-ciri utama suatu motif adalah keterasingannya dari keseluruhan dan keterulangannya dalam berbagai variasi.

Dalam Lampiran manual ini, sebagai bahan sastra yang memberikan perspektif pendidikan untuk kajian motif lebih lanjut, disajikan penggalan karya I. V. Silantyev.

Analisis yang bertujuan untuk mengidentifikasi hubungan unsur-unsur bentuk dengan keseluruhan artistik tampaknya lebih menjanjikan. Di sini pemahaman tentang fungsi teknik (dari bahasa Latin functio - eksekusi, pencapaian) direduksi menjadi studi tentang kemanfaatan artistik, konstruktif, struktur dan konten.

Kemanfaatan artistik, dan dalam karya Yu.N. Tynyanov disebut konstruktif, menjawab pertanyaan: mengapa teknik ini atau itu digunakan, efek artistik apa yang dicapainya. Konstruktifitas dimaksudkan untuk mengkorelasikan setiap unsur suatu karya sastra sebagai suatu sistem dengan unsur-unsur lainnya dan keseluruhan sistem secara keseluruhan.

Analisis struktural yang dikembangkan oleh Yu.M. Lotman dan murid-muridnya memandang karya sebagai suatu struktur, membaginya ke dalam tingkatan-tingkatan dan mempelajari identitas uniknya sebagai bagian dari keseluruhan seni.

Manual ini memuat penggalan artikel sastra karya Yu.M. Lotman pada Lampiran. Mewakili contoh analisis tingkat suatu karya, sebagai metodologi untuk melakukan analisis, berfungsi sebagai bahan tambahan bagi siswa yang belajar mengulas teks sastra secara profesional.

Interpretasi, atau penjelasan sastra, bersifat permanen pada karya: komposisi karya itu sendiri membawa norma-norma penafsirannya.

Pendekatan penelitian terhadap kajian teks sastra ini didasarkan pada hermeneutika – teori penafsiran teks, doktrin memahami makna suatu pernyataan dan mengetahui kepribadian pembicara. Pada tahap perkembangan pemikiran ilmiah ini, hermeneutika merupakan landasan metodologis pengetahuan kemanusiaan.

Interpretasi sastra yang imanen selalu membawa kebenaran relatif, karena konten artistik tidak dapat sepenuhnya habis hanya dengan interpretasi tunggal terhadap sebuah karya.

Pembacaan imanen penafsir harus masuk akal dan jelas: editor, filolog, dan sejarawan sastra harus memperhitungkan hubungan yang kompleks dan beragam dari setiap elemen teks dengan keseluruhan artistik.

Penjelasan profesional terhadap isi karya biasanya disertai dengan analisis kontekstual. Bagi seorang peneliti sastra, istilah “konteks” (dari bahasa Latin coYvxYz - connection) berarti suatu wilayah hubungan yang luas antara suatu karya seni dengan fakta-fakta di luarnya, baik sastra (tekstual) maupun non-fiksi (non-tekstual). ).

Konteks kreativitas seorang penulis terbagi menjadi konteks langsung dan konteks jauh. Konteks langsung sebuah karya sastra terdiri dari sejarah kreatifnya, yang dituangkan dalam draf dan versi awal yang berbeda waktu; biografi penulis, ciri-ciri kepribadian dan karakternya; lingkungan yang beragam - sastra, kekeluargaan, ramah.

Jika seorang filolog mengacu pada teks sastra dari sudut pandang kajian kontekstual jarak jauh, maka penalarannya mengungkap berbagai fenomena modernitas sosial budaya pengarangnya; “waktu bersejarah yang hebat” (Bakhtin), di mana penulis terlibat; tradisi sastra dan subjek kepatuhan atau penolakan artistik terhadapnya; pengalaman non-sastra generasi masa lalu dan tempatnya dalam nasib penulis, isu-isu lain.

Dalam sejumlah konteks terpencil sebuah karya sastra, prinsip-prinsip keberadaan supra-stoik dibedakan - arketipe, atau gambaran arketipe, yang berasal dari gagasan mitopoetik tentang dunia. Dalam Lampiran manual ini, penggalan karya I. A. Esaulov tentang arketipe Paskah dalam karya B. Pasternak disajikan sebagai bahan sastra yang membuka prospek penelitian bagi mahasiswa.

Dunia sebuah karya sastra selalu merupakan dunia bersyarat yang diciptakan dengan bantuan fiksi, meskipun materi “sadar”-nya adalah kenyataan. Sebuah karya seni selalu terhubung dengan kenyataan dan sekaligus tidak identik dengannya.

V.G. Belinsky menulis: “Seni adalah reproduksi realitas, dunia yang diciptakan, seolah-olah baru diciptakan.” Dalam menciptakan dunia sebuah karya, pengarang menyusunnya, menempatkannya dalam ruang dan waktu tertentu. D.S. Likhachev mencatat bahwa “transformasi realitas dikaitkan dengan gagasan karya”60, dan tugas peneliti adalah melihat transformasi ini dalam dunia objektif. Kehidupan adalah realitas material dan kehidupan jiwa manusia; apa yang ada, apa yang telah dan akan terjadi, apa yang “mungkin karena adanya kemungkinan atau keharusan” (Aristoteles). Mustahil memahami hakikat seni jika Anda tidak menanyakan pertanyaan filosofis tentang apa itu - “seluruh dunia”, apakah ini fenomena holistik, bagaimana cara menciptakannya kembali? Bagaimanapun, tugas utama sang seniman, menurut I.-V. Goethe, “untuk menguasai seluruh dunia dan mengungkapkannya.”

Sebuah karya seni mewakili kesatuan internal isi dan bentuk. Isi dan bentuk merupakan konsep yang saling terkait erat. Semakin kompleks isinya, seharusnya semakin kaya pula bentuknya. Keberagaman isinya juga dapat dinilai dari bentuk seninya.

Kategori “isi” dan “bentuk” dikembangkan dalam estetika klasik Jerman. Hegel berpendapat bahwa “isi seni adalah cita-cita, dan bentuknya adalah perwujudan figuratif yang sensual”61. Dalam interpenetrasi “ideal” dan “citra”

Hegel melihat kekhususan kreatif seni. Patos utama dari ajarannya adalah subordinasi semua detail gambar, dan terutama yang objektif, pada konten spiritual tertentu. Keutuhan karya muncul dari konsep kreatif. Kesatuan sebuah karya dipahami sebagai subordinasi seluruh bagian dan detailnya pada gagasan: bersifat internal, bukan eksternal.

Bentuk dan isi karya sastra adalah “konsep dasar sastra yang menggeneralisasi gagasan tentang aspek luar dan dalam suatu karya sastra serta didasarkan pada kategori filosofis bentuk dan isi”62. Pada kenyataannya bentuk dan isi tidak dapat dipisahkan, karena bentuk tidak lain hanyalah isi dalam keberadaannya yang dirasakan secara langsung, dan isi tidak lain hanyalah makna batin dari bentuk yang diberikan kepadanya. Dalam proses analisis isi dan bentuk karya sastra, diketahui aspek luar dan dalam yang berada dalam kesatuan organis. Isi dan bentuk melekat pada setiap fenomena alam dan masyarakat: masing-masing memiliki unsur eksternal, formal, dan internal yang bermakna.

Isi dan bentuknya memiliki struktur multi-tahap yang kompleks. Misalnya, organisasi eksternal ucapan (gaya, genre, komposisi, meteran, ritme, intonasi, rima) bertindak sebagai bentuk dalam kaitannya dengan makna artistik internal. Pada gilirannya, makna tuturan merupakan suatu bentuk alur, dan alur adalah suatu bentuk yang mewujudkan watak dan keadaan, serta muncul sebagai bentuk perwujudan gagasan seni, makna holistik yang mendalam dari sebuah karya. Bentuk adalah isi yang hidup.

Setiap perubahan bentuk sekaligus merupakan perubahan isi, begitu pula sebaliknya. Demarkasi penuh dengan bahaya pembagian mekanis (maka bentuk hanyalah cangkang isinya). Kajian terhadap suatu karya sebagai suatu kesatuan organik isi dan bentuk, pemahaman tentang bentuk sebagai sesuatu yang bermakna, dan

Pasangan konseptual “isi dan bentuk” tertanam kuat dalam puisi teoretis. Aristoteles juga membedakan dalam “Poetics” “apa” (subjek gambar) dan “bagaimana” (sarana gambar). Bentuk dan isi adalah kategori filosofis. “Saya menyebut bentuk sebagai esensi dari keberadaan segala sesuatu,” tulis Aristoteles63.

Fiksi adalah sekumpulan karya sastra yang masing-masing merupakan satu kesatuan yang berdiri sendiri.

Apa yang dimaksud dengan kesatuan sebuah karya sastra? Karya itu hadir sebagai teks tersendiri yang mempunyai batas-batas, seolah-olah dilingkupi dalam suatu bingkai: awal (biasanya judul) dan akhir. Sebuah karya seni mempunyai kerangka lain, karena berfungsi sebagai objek estetis, sebagai “satuan” fiksi. Membaca suatu teks menghasilkan gambaran dan gagasan tentang objek secara utuh di benak pembaca.

Karya tersebut seolah-olah terbungkus dalam bingkai ganda: sebagai dunia kondisional yang diciptakan pengarangnya, terpisah dari realitas primer, dan sebagai sebuah teks, dibatasi dari teks-teks lain. Kita tidak boleh melupakan sifat seni yang menyenangkan, karena dalam kerangka yang sama penulis menciptakan dan pembaca mempersepsikan karya tersebut. Inilah ontologi sebuah karya seni.

Ada pendekatan lain terhadap kesatuan sebuah karya - pendekatan aksiologis, di mana pertanyaan muncul tentang apakah mungkin untuk mengoordinasikan bagian-bagian dan keseluruhan, untuk memotivasi detail ini atau itu, karena semakin kompleks komposisinya. keseluruhan artistik (plot multilinier, sistem karakter bercabang, perubahan waktu dan tempat aksi), semakin sulit tugas yang dihadapi penulis64.

Kesatuan suatu karya merupakan salah satu persoalan lintas sektoral dalam sejarah pemikiran estetika. Bahkan dalam literatur kuno, persyaratannya berbeda-beda genre artistik, estetika klasisisme bersifat normatif. Menarik (dan logis) adalah tumpang tindih antara teks “penyair” Horace dan Boileau, yang menjadi perhatian L.V. Chernet.

Horace menyarankan:

Kekuatan dan keindahan keteraturan, menurut saya, adalah bahwa penulis mengetahui dengan tepat apa yang harus dikatakan di mana, dan segala hal lainnya muncul setelahnya, ke mana segala sesuatunya pergi; agar pencipta puisi tahu apa yang harus diambil, apa yang harus dibuang, hanya saja dia tidak murah hati dalam berkata-kata, tapi juga pelit dan pilih-pilih.

Boileau juga menegaskan perlunya kesatuan kerja yang integral:

Penyair harus menempatkan segala sesuatunya dengan penuh pertimbangan,

Gabungkan awal dan akhir menjadi satu aliran Dan, dengan menundukkan kata-kata pada kekuatan Anda yang tak terbantahkan, dengan terampil menggabungkan bagian-bagian yang berbeda65.

Pembenaran yang mendalam terhadap kesatuan suatu karya sastra dikembangkan dalam estetika. Sebuah karya seni bagi I. Kant dianalogikan dengan alam, karena keutuhan fenomena seolah-olah terulang dalam keutuhan gambar artistik: “Seni yang indah adalah jenis seni yang sekaligus tampak bagi kita sebagai alam”66. Pembenaran atas kesatuan sebuah karya sastra sebagai kriteria kesempurnaan estetisnya diberikan dalam “Estetika” Hegel, yang menganggap keindahan dalam seni “lebih tinggi” daripada keindahan alam, karena dalam seni ada (seharusnya tidak ada! ) detail yang tidak berkaitan dengan sejumlah detail, tetapi merupakan hakikat kreativitas seni dan terdiri dari proses “pemurnian” fenomena dari ciri-ciri yang tidak mengungkapkan hakikatnya, dalam menciptakan suatu bentuk yang sesuai dengan isinya67.

Kriteria kesatuan seni pada abad ke-19. menyatukan kritik dari berbagai arah, namun dalam pergerakan pemikiran estetis menuju “kaidah estetika kuno” kebutuhan akan kesatuan artistik, konsistensi keseluruhan dan bagian-bagian dalam sebuah karya tetap tak terelakkan.

Contoh analisis filologis suatu karya seni yang patut dicontoh adalah “An Experience in the Analysis of Form” oleh B.A. Larina. Filolog terkemuka ini menyebut metodenya sebagai “analisis spektral”, yang tujuannya adalah “untuk mengungkapkan apa yang “diberikan” dalam teks penulis dalam segala kedalamannya yang berfluktuasi”. Mari kita beri contoh elemen analisisnya terhadap cerita M. Sholokhov “The Fate of a Man”:

“Di sini, misalnya, dari ingatannya (Andrei Sokolov) tentang perpisahan di stasiun pada hari keberangkatan ke depan: Saya memisahkan diri dari Irina. Aku memegang wajahnya dengan tanganku, menciumnya, dan bibirnya seperti es.

Sungguh sebuah kata yang bermakna “melepaskan diri” dalam situasi ini dan dalam konteks ini: dan “keluar” dari pelukannya yang mengejang, dikejutkan oleh kegelisahan fana sang istri; dan "dirobek" dari keluarga asal, rumah, seperti sehelai daun yang tertiup angin dan terbawa dari dahan, pohon, hutannya; dan bergegas pergi, menguasai, menekan kelembutan - dia tersiksa oleh luka terkoyak...

"Aku memegang wajahnya di tanganku" - kata-kata ini berisi belaian kasar seorang pahlawan "dengan kekuatan bodoh" di samping istrinya yang kecil dan rapuh, dan gambaran yang sulit dipahami tentang mengucapkan selamat tinggal kepada almarhum di peti mati, yang dihasilkan oleh yang terakhir kata-kata: “...dan bibirnya seperti es".

Andrei Sokolov berbicara dengan lebih sederhana, seolah-olah benar-benar canggung, hanya tentang bencana mentalnya - tentang kesadaran akan penahanan:

Oh saudaraku, bukanlah hal yang mudah untuk memahami bahwa kamu tidak terkurung oleh keinginan bebasmu sendiri. Siapapun yang belum pernah mengalami hal ini secara langsung tidak akan langsung masuk ke dalam jiwanya sehingga dapat memahami secara manusiawi apa maksud dari hal tersebut.

"Memahami" - di sini tidak hanya "memahami apa yang tidak jelas", tetapi juga "berasimilasi sampai akhir, tanpa sedikit pun keraguan", "dikonfirmasi melalui refleksi pada sesuatu yang sangat dibutuhkan untuk keseimbangan mental". Kata-kata kasar selektif berikut ini menjelaskan kata ini dengan cara yang nyata secara fisik. Pelit dengan kata-kata, Andrei Sokolov sepertinya mengulangi hal yang sama di sini, tetapi Anda tidak bisa langsung mengatakannya dengan cara yang “menjangkau secara manusiawi” setiap orang “yang belum pernah mengalami hal ini secara langsung”.

Tampaknya bagian ini dengan jelas menunjukkan keberhasilan analisis Larin. Ilmuwan, tanpa merusak keseluruhan teks, secara komprehensif menggunakan teknik metode interpretasi linguistik dan sastra, mengungkapkan orisinalitas jalinan artistik karya tersebut, serta gagasan yang “diberikan” dalam teks oleh M. Sholokhov. Metode Aarin disebut l i n g v o p o e t i c h e s k i m.

Dalam kritik sastra modern, dalam karya S. Averintsev, M. Andreev, M. Gasparov, G. Kosikov, A. Kurilov, A. Mikhailov, terdapat pandangan tentang sejarah sastra sebagai perubahan jenis kesadaran artistik. mapan: “mitopoetik”, “tradisionalis”, “penulis individual”, tertarik pada eksperimen kreatif. Selama periode dominasi kesadaran artistik jenis kepenulisan individu, sifat sastra seperti dialogisme diwujudkan. Setiap interpretasi baru terhadap sebuah karya (pada waktu berbeda, oleh peneliti berbeda) sekaligus merupakan pemahaman baru tentang kesatuan artistiknya. Hukum integritas mengandaikan kelengkapan internal (kelengkapan) dari keseluruhan artistik. Artinya keteraturan yang paling tinggi dari bentuk suatu karya dibandingkan dengan isinya sebagai objek estetika.

M. Bakhtin berpendapat bahwa bentuk seni tidak memiliki makna tanpa hubungannya yang erat dengan isinya, dan menggunakan konsep “bentuk yang bermakna”. Konten artistik diwujudkan dalam keseluruhan karya. Yu.M. Lotman menulis: “Idenya tidak terkandung dalam kutipan apa pun, bahkan kutipan yang dipilih dengan baik, tetapi diungkapkan dalam keseluruhan struktur artistik. Peneliti terkadang tidak memahami hal ini dan mencari ide dalam kutipan individu; dia seperti seseorang yang, setelah mengetahui bahwa sebuah rumah memiliki denah, akan mulai merobohkan tembok untuk mencari tempat di mana denah tersebut ditembok. Rencananya tidak terpaku pada dinding, namun dilaksanakan sesuai proporsi bangunan. Denah adalah gagasan arsiteknya, dan struktur bangunan adalah pelaksanaannya.”68

Sebuah karya sastra merepresentasikan gambaran kehidupan yang holistik (dalam karya epik dan dramatik) atau suatu pengalaman holistik (dalam karya liris). Setiap karya seni, menurut V.G. Belinsky, “ini adalah dunia yang holistik dan mandiri.” D.S. Merezhkovsky sangat memuji novel Tolstoy Anna Karenina, dengan alasan bahwa “Anna Karenina, sebagai keseluruhan artistik yang lengkap, adalah karya L. Tolstoy yang paling sempurna. Dalam "Perang dan Damai" dia mungkin menginginkan lebih, tetapi tidak mencapainya: dan kami melihat itu salah satu yang utama karakter, Napoleon, sama sekali tidak sukses. Di Anna Karenina, semuanya, atau hampir semuanya, berhasil; di sini, dan hanya di sini, kejeniusan artistik L. Tolstoy mencapai titik tertingginya, pengendalian diri sepenuhnya, hingga keseimbangan akhir antara konsep dan eksekusi. Jika dia pernah menjadi lebih kuat, maka bagaimanapun juga, dia tidak pernah lebih sempurna, baik sebelum maupun sesudahnya.”69

Kesatuan integral suatu karya seni ditentukan oleh niat tunggal pengarangnya dan tampak dalam segala kompleksitas peristiwa, tokoh, dan pemikiran yang digambarkan. Karya seni sejati adalah dunia seni yang unik dengan isi dan bentuk yang mengekspresikan isi tersebut. Realitas artistik yang diobjektifikasi dalam teks adalah bentuk.

Hubungan yang tak terpisahkan antara konten dan bentuk artistik adalah kriteria (Yunani kuno kgkegyup - tanda, indikator) seni sebuah karya. Kesatuan ini ditentukan oleh keutuhan sosial dan estetis suatu karya sastra.

Hegel menulis tentang kesatuan isi dan bentuk: “Sebuah karya seni yang tidak memiliki bentuk yang tepat justru menjadi alasan mengapa karya tersebut tidak asli, yaitu karya seni yang sejati, dan bagi senimannya hal itu menjadi alasan yang buruk jika mereka mengatakan bahwa dari segi isinya, karya-karya itu bagus (atau bahkan lebih unggul), tetapi bentuknya kurang tepat. Hanya karya seni yang isi dan bentuknya identik yang merupakan karya seni sejati.”70

Satu-satunya bentuk perwujudan isi kehidupan yang mungkin adalah kata, dan kata apa pun menjadi bermakna secara artistik ketika kata tersebut mulai menyampaikan tidak hanya informasi faktual, tetapi juga konseptual dan subtekstual. Ketiga jenis informasi ini diperumit oleh informasi estetika71.

Konsep bentuk seni hendaknya tidak diidentikkan dengan konsep teknik menulis. “Apa gunanya menyelesaikan puisi liris,<...>untuk membawa bentuk ke keanggunan yang mungkin? Ini, mungkin, tidak lebih dari menyelesaikan dan membawa rahmat yang mungkin ada dalam sifat manusia, perasaan ini atau itu... Menggarap puisi untuk seorang penyair sama dengan menggarap jiwa,” tulis Ya.I. Polonsky. Pertentangan dapat ditelusuri dalam sebuah karya seni: organisasi (“dibuat”) dan organik (“lahir”). Mari kita mengingat kembali artikel V. Mayakovsky “Bagaimana cara membuat puisi?” dan baris-baris A. Akhmatova “Seandainya Anda tahu dari mana puisi sampah tumbuh…”.

Dalam salah satu surat dari F.M. Dostoevsky menyampaikan kata-kata V.G. Belinsky tentang pentingnya bentuk dalam seni: “Anda, seniman, dengan satu fitur, sekaligus, dalam sebuah gambar, mengekspos esensinya, sehingga Anda dapat merasakannya dengan tangan Anda, sehingga semuanya tiba-tiba menjadi jelas hingga yang paling tidak masuk akal. pembaca! Inilah rahasia seni, inilah kebenaran dalam seni.”

Isinya diungkapkan melalui seluruh aspek bentuk (sistem gambar, alur, bahasa). Dengan demikian, isi karya muncul terutama dalam hubungan tokoh (karakter)^ yang terungkap dalam peristiwa (plot). Tidak mudah untuk mencapai kesatuan isi dan bentuk yang utuh. A.P. menulis tentang sulitnya hal ini. Chekhov: “Anda perlu menulis cerita selama 5-6 hari dan memikirkannya sepanjang waktu Anda menulis... Setiap frasa harus ada di otak Anda selama dua hari dan menjadi berminyak... Naskah semuanya tuan sejati itu kotor,

Teori Interradra

dicoret memanjang dan melintang, usang dan ditutupi tambalan, yang kemudian dicoret…”

Dalam teori sastra, masalah isi dan bentuk ditinjau dalam dua aspek: dalam aspek mencerminkan realitas objektif, ketika kehidupan berperan sebagai isi (subjek), dan citra artistik sebagai bentuk (bentuk kognisi). Berkat ini, kita dapat mengetahui tempat dan peran fiksi dalam sejumlah bentuk ideologi lainnya - politik, agama, mitologi, dll.

Permasalahan isi dan bentuk juga dapat dipertimbangkan dalam rangka memperjelas hukum-hukum internal sastra, karena gambaran yang berkembang dalam benak pengarang mewakili isi suatu karya sastra. Di Sini yang sedang kita bicarakan tentang struktur internal suatu gambar seni atau sistem gambar suatu karya sastra. Suatu gambar seni dapat dipandang bukan sebagai suatu bentuk refleksi, tetapi sebagai kesatuan isi dan wujudnya, sebagai kesatuan isi dan bentuk yang khusus. Tidak ada isi sama sekali, yang ada hanya diformalkan, yakni isi yang mempunyai bentuk tertentu. Konten adalah hakikat dari sesuatu (seseorang). Bentuk adalah suatu struktur, suatu organisasi isi, dan itu bukanlah sesuatu yang berada di luar isi, tetapi bersifat internal di dalamnya. Bentuk adalah energi dari hakikat atau ekspresi dari hakikat. Seni itu sendiri merupakan salah satu bentuk pengetahuan tentang realitas. Hegel menulis dalam Logic: “Bentuk adalah isi, dan dalam kepastian yang dikembangkannya, ia adalah hukum fenomena.” Rumusan filosofis Hegel: “Isi tidak lain adalah peralihan bentuk, dan bentuk tidak lain adalah peralihan isi ke dalam bentuk.” Dia memperingatkan kita terhadap pemahaman yang kasar dan disederhanakan tentang kesatuan dialektis yang kompleks, mengharukan, dari kategori-kategori bentuk dan isi secara umum, dan dalam bidang seni pada khususnya. Penting untuk dipahami bahwa batasan antara isi dan bentuk bukanlah konsep spasial, melainkan logika. Hubungan isi dan bentuk bukanlah hubungan keseluruhan dan bagian, inti dan cangkang, internal dan eksternal, kuantitas dan kualitas, melainkan hubungan berlawanan yang saling bertransformasi. L.S. Vygotsky, dalam bukunya “Psychology of Art,” menganalisis komposisi cerita pendek I. Bunin “Easy Breathing” dan mengidentifikasi “hukum psikologis dasar”: “Penulis, hanya memilih ciri-ciri peristiwa yang diperlukan baginya, dengan kuat memproses... materi kehidupan” dan menerjemahkan “cerita tentang sampah sehari-hari" menjadi "cerita tentang kemudahan bernapas". Dia mencatat: “Tema sebenarnya dari cerita ini bukanlah kisah tentang kehidupan seorang siswi provinsi yang kebingungan, tetapi nafas yang ringan, perasaan terbebas dan ringan, tercermin dalam transparansi kehidupan yang sempurna, yang tidak dapat dihilangkan dari kehidupan. peristiwa-peristiwa itu sendiri,” yang terhubung sedemikian rupa sehingga menghilangkan beban sehari-hari; “Penataan ulang sementara yang rumit mengubah kisah kehidupan seorang gadis sembrono menjadi nafas ringan kisah Bunin.” Ia merumuskan hukum kehancuran dalam bentuk isinya, yang dapat diilustrasikan: episode pertama, yang menceritakan tentang kematian Olya Meshcherskaya, meredakan ketegangan yang akan dialami pembaca setelah mengetahui tentang pembunuhan gadis itu, sebagai seorang akibatnya klimaks tidak lagi menjadi klimaks, pewarnaan emosional dari episode tersebut padam. Dia “tersesat” di antara deskripsi tenang platform, kerumunan orang dan petugas yang datang, “hilang” dan kata yang paling penting “tembakan”: struktur frasa ini meredam tembakan1.

Pembedaan isi dan bentuk diperlukan pada tahap awal pengkajian karya, pada tahap analisis.

Analisis (analisis Yunani - dekomposisi, pemotongan) kritik sastra - studi tentang bagian-bagian dan elemen-elemen suatu karya, serta hubungan di antara mereka.

Ada banyak metode untuk menganalisis sebuah karya. Analisis yang paling mendasar secara teoritis dan universal tampaknya didasarkan pada kategori “bentuk yang bermakna” dan mengidentifikasi fungsionalitas bentuk dalam kaitannya dengan konten.

Hasil analisis digunakan untuk membangun sintesa, yaitu pemahaman yang paling lengkap dan benar baik substantif maupun formal. orisinalitas artistik dan kesatuan mereka. Sintesis sastra dalam bidang isi digambarkan dengan istilah “interpretasi”, dalam bidang bentuk - dengan istilah “gaya”. Interaksi mereka memungkinkan untuk memahami karya sebagai fenomena estetika72.

Setiap elemen bentuk memiliki “makna” tersendiri. Formane adalah sesuatu yang mandiri; bentuk pada dasarnya adalah isi. Dengan mempersepsikan bentuk, kita memahami isinya. A. Bushmin menulis tentang sulitnya analisis ilmiah suatu gambar artistik dalam kesatuan isi dan bentuk: “Dan masih tidak ada jalan keluar lain selain terlibat dalam analisis, “pemisahan” kesatuan atas nama sintesis selanjutnya” 73.

Ketika menganalisis sebuah karya seni, kita tidak boleh mengabaikan kedua kategori tersebut, tetapi memahami peralihannya satu sama lain, memahami isi dan bentuk sebagai interaksi bergerak yang berlawanan, terkadang menyimpang, terkadang mendekat, hingga identitas.

Patut diingat puisi Sasha Cherny tentang kesatuan isi dan bentuk:

Ada yang berteriak: “Bentuk apa? Omong kosong!

Kapan menuangkan bubur ke dalam kristal -

Akankah kristal menjadi jauh lebih rendah?

Yang lain keberatan: “Bodoh!

Dan anggur terbaik di bejana malam

Orang baik tidak akan minum.”

Mereka tidak dapat menyelesaikan perselisihan... sungguh disayangkan!

Bagaimanapun, Anda bisa menuangkan anggur ke dalam kristal.

Cita-cita analisis sastra akan selalu menjadi studi tentang sebuah karya seni yang paling baik menangkap sifat kesatuan ideologis dan figuratif yang saling menembus.

Bentuk dalam puisi (berbeda dengan bentuk prosa) bersifat telanjang, ditujukan kepada indera fisik pembaca (pendengar) dan mempertimbangkan sejumlah “konflik” yang membentuk bentuk puisi, yang dapat berupa: -

leksikal-semantik: 1) sebuah kata dalam ucapan - sebuah kata dalam ayat; 2) kata dalam kalimat – kata dalam ayat (kata dalam kalimat dirasakan dalam alur tuturan, dalam ayat cenderung ditonjolkan); -

intonasi-bunyi: 1) antara meteran dan ritme; 2) antara meteran dan sintaksis.

Ada banyak hal dalam buku E. Etkind “The Matter of Verse”. contoh menarik, meyakinkan keabsahan ketentuan ini. Ini salah satunya. Untuk membuktikan adanya konflik pertama “sebuah kata dalam ucapan - sebuah kata dalam syair”, kita ambil puisi delapan baris karya M. Tsvetaeva, yang ditulis pada bulan Juli 1918. Teksnya menunjukkan bahwa kata ganti untuk prosa merupakan kategori leksikal yang tidak signifikan, dan dalam konteks puitis mereka menerima nuansa makna baru dan tampil ke depan:

Aku adalah halaman untuk penamu.

Saya akan menerima semuanya. Aku halaman putih.

Akulah penjaga kebaikanmu:

Saya akan mengembalikannya dan mengembalikannya seratus kali lipat.

Saya adalah sebuah desa, tanah hitam.

Kamu adalah sinar dan hujan yang lembab bagiku.

Anda adalah Tuhan dan Tuan, dan saya adalah

Chernozem dan kertas putih.

Inti komposisi puisi ini adalah kata ganti orang ke-1 dan ke-2. Dalam bait 1, pertentangan mereka diuraikan: Aku - milikmu (dua kali dalam ayat 1 dan 3); pada bait kedua mencapai kejelasan penuh: aku - kamu, kamu - aku. Anda berdiri di awal ayat, saya berdiri di akhir sebelum jeda dengan pergeseran tajam.

Kontras “putih” dan “hitam” (kertas - bumi) mencerminkan metafora yang dekat dan sekaligus berlawanan satu sama lain: seorang wanita yang sedang jatuh cinta - halaman kertas putih; dia menangkap pemikiran tentang Dia yang adalah Tuan dan Tuhan baginya (pasifnya refleksi), dan dalam metafora kedua - aktivitas kreativitas. “Diri seorang wanita memadukan warna hitam dan putih – hal-hal yang berlawanan yang terwujud dalam gender gramatikal:

Saya - halaman (f)

Saya adalah penjaganya (m)

Saya seorang desa, tanah hitam (p)

Saya tanah hitam (m)

Hal yang sama berlaku untuk kata ganti kedua, dan ini menggabungkan kontras yang terwujud dalam gender gramatikal:

Kamu adalah sinar dan air hujanku.

Kita akan menemukan seruan kata-kata yang dekat dan sekaligus berlawanan dalam kata-kata yang sangat dekat, disandingkan satu sama lain, sebagai kata kerja: Aku akan membawamu kembali dan sebagai balasannya, dan kata benda: Tuhan dan Tuan.

Jadi, aku adalah kamu. Tapi siapa yang bersembunyi di balik kedua kata ganti tersebut? Wanita dan Pria - secara umum? M.I. Tsvetaeva dan kekasihnya? Penyair dan dunia? Manusia dan Tuhan? Jiwa dan tubuh? Setiap jawaban kami adil; Namun ketidakpastian puisi juga penting, yang berkat polisemi kata ganti, dapat ditafsirkan dengan cara yang berbeda-beda, dengan kata lain memiliki lapisan semantik yang berlapis-lapis”74.

Semua unsur materi - kata, kalimat, bait - kurang lebih dimantisasi, menjadi unsur isi: “Kesatuan isi dan bentuk - seberapa sering kita menggunakan rumus yang bunyinya seperti mantra ini, kita menggunakannya tanpa memikirkan yang sebenarnya. arti! Sedangkan dalam kaitannya dengan puisi, kesatuan ini sangat penting. Dalam puisi, segala sesuatu tanpa kecuali ternyata menjadi isi - setiap, bahkan elemen bentuk yang paling tidak penting membangun makna, mengungkapkannya: ukuran, lokasi dan sifat sajak, perbandingan frasa dan baris, perbandingan vokal dan konsonan, panjang kata dan kalimat, dan masih banyak lagi... "- catatan E. Etkind75.

Hubungan “isi – bentuk” dalam puisi tidak berubah, tetapi berubah dari satu sistem seni ke sistem seni lainnya. Dalam puisi klasik, makna satu dimensi didahulukan, asosiasi bersifat wajib dan tidak ambigu (Parnassus, Muse), gaya dinetralisir oleh hukum kesatuan gaya. Dalam puisi romantis, maknanya semakin dalam, kata tersebut kehilangan kejelasan semantiknya, dan gaya yang berbeda muncul.

E. Etkind menentang pemisahan artifisial antara isi dan bentuk dalam puisi: “Tidak ada isi di luar bentuk, karena setiap unsur bentuk, sekecil atau eksternalnya, membangun isi sebuah karya; Tidak ada bentuk tanpa isi, karena setiap elemen bentuk, betapapun kosongnya, mengandung gagasan.”1

Pertanyaan penting lainnya: di mana analisis harus dimulai, dengan isi atau dengan bentuk? Jawabannya sederhana: tidak ada perbedaan yang signifikan. Itu semua tergantung pada sifat pekerjaan dan tujuan spesifik penelitian. Sama sekali tidak perlu memulai pembelajaran dengan isi, hanya berpedoman pada pemikiran bahwa isi menentukan bentuk. Tugas utamanya adalah menangkap peralihan kedua kategori ini satu sama lain, saling ketergantungannya.

Seniman menciptakan sebuah karya yang isi dan bentuknya merupakan dua sisi dari satu kesatuan. Mengerjakan formulir sekaligus mengerjakan konten, begitu pula sebaliknya. Dalam artikel “Bagaimana cara membuat puisi?” V. Mayakovsky berbicara tentang bagaimana dia mengerjakan sebuah puisi yang didedikasikan untuk S. Yesenin. Isi puisi ini lahir dalam proses penciptaan bentuk, dalam proses materi ritmis dan verbal baris:

Anda pergi ra-ra-ra ke dunia lain...

Kamu telah pergi ke dunia lain...

Anda telah pergi, Seryozha, ke dunia lain... - kalimat ini salah.

Anda telah pergi ke dunia lain tanpa dapat ditarik kembali - kecuali seseorang meninggal pada titik balik. Anda telah pergi, Yesenin, ke dunia lain - ini terlalu serius.

Anda telah pergi, seperti kata mereka, ke dunia lain - desain akhir.

“Baris terakhir benar, “seperti yang mereka katakan,” tanpa menjadi ejekan langsung, secara halus mengurangi kesedihan dari ayat tersebut dan pada saat yang sama menghilangkan semua kecurigaan tentang keimanan penulis pada akhirat ah-

Teori Dmteratzra

dia,” catat V. Mayakovsky76. Kesimpulan: di satu sisi, kita berbicara tentang mengerjakan bentuk syair, tentang memilih ritme, kata, ekspresi. Namun Mayakovsky juga sedang mengerjakan kontennya. Dia tidak hanya memilih ukurannya, namun berupaya untuk membuat garis tersebut “luhur”, dan ini adalah kategori semantik, bukan kategori formal. Dia mengganti kata-kata dalam satu baris tidak hanya untuk mengekspresikan pemikiran yang telah disiapkan sebelumnya dengan lebih akurat atau lebih jelas, tetapi juga untuk menciptakan pemikiran tersebut. Dengan mengubah bentuk (ukuran, kata), Mayakovsky mengubah isi baris (pada akhirnya puisi secara keseluruhan).

Contoh pengerjaan puisi ini menunjukkan hukum dasar kreativitas: mengerjakan bentuk sekaligus mengerjakan isi, begitu pula sebaliknya. Penyair tidak dan tidak dapat menciptakan bentuk dan isi secara terpisah. Ia menciptakan sebuah karya yang isi dan bentuknya merupakan dua sisi dari satu kesatuan.

Bagaimana sebuah puisi lahir? Fet memperhatikan bahwa karyanya lahir dari sajak sederhana yang “membengkak” di sekelilingnya. Dalam salah satu suratnya, ia menulis: “Seluruh gambaran yang muncul dalam kaleidoskop kreatif bergantung pada kejadian-kejadian yang sulit dipahami, yang hasilnya adalah keberhasilan atau kegagalan.” Sebuah contoh dapat diberikan untuk mengkonfirmasi kebenaran pengakuan ini. Seorang penikmat karya Pushkin yang luar biasa, S.M. Bondi menceritakan kisah aneh tentang lahirnya kalimat Pushkin yang terkenal:

Di perbukitan Georgia terletak kegelapan malam... Awalnya Pushkin menulis ini:

Semuanya tenang. Bayangan malam telah menyelimuti Kaukasus...

Kemudian, seperti terlihat dari draf naskah, penyair mencoret kata “bayangan malam” dan di atasnya tertulis kata “malam akan datang”, membiarkan kata “berbaring” tidak ada perubahan. Bagaimana kita dapat memahami hal ini? S. Bondi membuktikan bahwa ada faktor acak yang mengintervensi proses kreatif: penyair menulis kata “berbaring” dengan tulisan tangan yang lancar, dan pada huruf “e” bagiannya yang membulat, “lingkaran”, tidak berhasil. Kata "berbaring" tampak seperti kata "kabut". Dan alasan acak dan asing ini mendorong penyair untuk membuat versi baris yang berbeda:

Semuanya tenang. Kegelapan malam akan datang ke Kaukasus...

Ungkapan-ungkapan yang sangat berbeda ini mewujudkan visi alam yang berbeda. Kata “kabut” yang muncul secara acak mampu berperan sebagai salah satu bentuk proses kreatif, suatu bentuk pemikiran puitis Pushkin. Kasus khusus ini terungkap hukum adat kreativitas: konten tidak hanya diwujudkan dalam bentuk; itu lahir di dalam dirinya dan hanya bisa lahir di dalam dirinya.

Menciptakan suatu bentuk yang sesuai dengan isi sebuah karya sastra merupakan suatu proses yang kompleks. Hal ini memerlukan keterampilan tingkat tinggi. Tidak heran L.N. Tolstoy menulis: “Kepedulian terhadap kesempurnaan bentuk adalah hal yang buruk! Tidak heran dia. Tapi bukan tanpa alasan kontennya bagus. Jika Gogol menulis komedinya (“Inspektur Jenderal”) dengan kasar dan lemah, tidak akan ada satu juta pun orang yang membacanya sekarang yang akan membacanya.”77 Jika isi karyanya “jahat”, dan bentuk artistiknya sempurna, maka terjadi semacam estetika kejahatan dan keburukan, seperti misalnya dalam puisi Baudelaire (“Bunga Jahat”), atau dalam P. .Novel Suskind "Parfum".

Masalah keutuhan suatu karya seni diperhatikan oleh G.A. Gukovsky: “Sebuah karya seni yang bernilai ideologis tidak memuat sesuatu yang berlebihan, yaitu tidak ada sesuatu pun yang tidak diperlukan untuk mengungkapkan isinya, gagasan, tidak ada apa pun, bahkan satu kata pun, tidak satu suara pun. Setiap unsur suatu karya berarti, dan hanya untuk maksudnya, ia ada di dunia... Unsur-unsur karya secara keseluruhan bukanlah suatu penjumlahan aritmatika, melainkan suatu sistem organik, yang merupakan kesatuan maknanya. .. Dan untuk memahami makna ini…memahami gagasan, makna bekerja, mengabaikan beberapa komponen makna ini, adalah mustahil”78.

“Aturan” utama dalam menganalisis sebuah karya sastra adalah sikap hati-hati terhadap integritas seni, identifikasi isi bentuknya. Sebuah karya sastra mendapat sambutan yang luar biasa kepentingan publik hanya jika bentuknya artistik, yaitu sesuai dengan isi yang diungkapkan di dalamnya.